Pinceladas de otoño

Vuelve la bloguera artista. Maria Riutort recorre el otoño, sus colores y sus técnicas con este artículo que publicaremos en dos partes. ¡El arte perdura, no es estacional!

Viajamos por la historia, de otoño en otoño, de artista en artista, bañándonos entre colores y técnicas que hacen las delicias de los amantes del arte y de los aficionados. Síguenos en este cómodo paseo, no importa cuántos otoños hayas vivido.

¡Impresiónate!

Monet nos presenta, en colores contrastados, naranja y azul, una escena con un sol y un cielo que se expresan con la misma luminancia, ambos vibran como si la luz avanzase hacia el espectador a través de una bruma de humedad alta. Este cuadro, que da nombre al impresionismo, representa una tarde de otoño. El fondo resulta grisáceo, las partes de menos interés del cuadro beben de la mezcla de colores principales, que al ser casi complementarios, crean una pequeña paleta de fondo de colores mortecinos que resulta ideal para superponer capas, más y más saturadas y brillantes con los colores principales, naranja para el sol y sus reflejos y azul para el cielo iluminado, el agua y los detalles sobre la línea de horizonte.

Impresión soleil. Imagen de Wikipedia

Donald Olson, un profesor de física y astronomía de la Universidad Estatal de Texas, realizó una serie de estudios analizando la posición del sol, recogiendo numerosos documentos sobre el lugar desde donde el cuadro fue pintado: la habitación de hotel en la que se alojaba el artista, fotos, período en el que se encontraba Monet en la ciudad de Le Havré, calendario de mareas y partes del tiempo; llegando a la conclusión de que fue pintado en el otoño de 1872, concretamente el 13 de Noviembre.

Inundación de colores

Vincent Van Gogh, qué decir de este autor, con su uso de la pincelada para crear texturas que lo igualan a la arquitectura o lo diferencian de las figuras, de los personajes, explicándonos que, de alguna forma todo está conectado. En Viñedo Rojo, con el color amarillo como protagonista, vemos unas vides poco reconocibles pero sí increíblemente atractivas por su textura y juego de color que nos llevan, simplificando el detalle de su pincelada, hacia el fondo en unión con el rio, que apoya e ilumina la escena desde la derecha y dirige al espectador hacia el sol, con el color más brillante del cuadro para dar la sensación de cegar al espectador y contagiar de fuerza la escena bañándola con sus ondas.

Viñedo Rojo. Imagen de www.picassomio.es

Vlaminck hace honor al fauvismo con esta obra, los colores casi puros vibran describiendo el paisaje prácticamente por todo el cuadro, si mas no dejando un respiro al espectador en los últimos término y la línea de horizonte para sorprendernos de nuevo con el fulgor del cielo. Con un estilo un tanto aniñado, esta obra nos transmite los colores del otoño y la fuerza más allá de la impresión, nos hace apretar los dientes, entornar los ojos y es entonces cuando nos sorprenden las formas que en él se contonean disputándose el protagonismo e intentando trascender los límites del bastidor.

Paisaje de otoño, Vlamnick. Imagen de wahoart

Colores llamativos se estiran y retuercen en The turning road, que se podría traducir como “el camino que gira” en lo que parece ser un empeño de Derain en reproducir todos los tonos del arco iris en las distintas partes del cuadro que exhiben el máximo de colores que les es posible dentro de su gama hasta que rompen con una sombra que los lleva hacia la otra mitad. Así pues, tanto en el muro como en el ciprés al que rodea. Los amarillos evolucionan sobre la superficie hacia naranjas, rojos y luego a su conveniencia se entremezclan con verdes en el ciprés y azules en el camino volviendo a los naranjas e insertando un rosa que lo une visualmente con la base del siguiente pino hacia el frente y las partes claras del suelo hacia el primer término.

The turning road, Derain. Haz clic para conocer el origen de la imagen

Con un abanico de azulados que se expresan desde los planos más alejados hasta los más cercanos, las manchas de colores frios, azules hasta morados acunan a los cálidos para que se contoneen por las siluetas del cuadro y logren efectos como el de los árboles en el fondo a la derecha, de copas oscuras, se diría que sus troncos rojos vivo brillan como los del primer término pero a la vez resultan contrastados, como en contraluz, comparados con el cielo.

Punto y aparte

Edmund Cross utiliza un particular estilo para persuadir a nuestras retinas y que el cerebro en su percepción mezcle una serie de puntos de colores que siluetean árboles y les dan textura en su interior separando planos con los cambios de tono, además, ésta técnica, el puntillismo, permite manchar las zonas de un color con uno que lo complemente o con el opuesto, logrando correcciones y diversidad de tonos, no sólo por los diversos colores de los puntos si no también por su superposición. En el plano del fondo el artista utiliza morados malva apagados para lograr efecto de lejanía y el muy importante azul del cielo para iluminar una bruma que se adivina por detrás de la línea de árboles y acaricia por la derecha la ladera en primer plano.

 Autum Landscape, Henri Edmond Cross. Imagen de www.fineartamerica.com

Andō Tokutarō es un dibujante, grabador y pintor japonés que perteneció a la escuela Utagawa, de la que toma su pseudónimo Utagawa Hiroshige y que es una de las más reputadas en el arte de la estampa japonesa del siglo XIX. En ella, se convirtió en uno de los máximos exponentes del estilo Ukiyo-e, “pinturas del mundo flotante”, estampas que se realizan desde grabados en madera, una técnica de xilografía policroma desarrollada y utilizada entre los siglos XVII y XX. El autor logró sobresalir en paisajismo, supo captar de forma magistral la luz de las diferentes horas del día, de los cambios en la naturaleza, los sucedidos en el transcurso de las estaciones…

Nos recuerda a los estudios que hacía Monet con su catedral de Rouen. En su obra, Utagawa Hiroshige trata todos los términos con gran realismo, recreándose especialmente en las formas y siluetas del primer plano, siendo fiel a las formas naturales en detalles como hojas e iluminando el enmarcado que suponen al fondo con pícara luz rojiza y sombra. Le saca todo el partido a las líneas que describen el paisaje y con gran sensibilidad logra un tratamiento atmosférico apoyándose en el color que llega a transmitirnos estados de ánimo.

 Árboles de Arces de Mama (izquierda). Imagen de Pinterest. La ciudad en plena floración, la fiesta Tanabata (derecha). Imagen de www.doctorojiplatico.com

Por su parte, Hokusai nos presenta un tema recurrente dentro de su trayectoria, una vista del monte Fuji, que tantas veces retrató, esta vez en otoño. Hokusai forma parte de los artistas japoneses que influenciaron a mediados de siglo XIX a los impresionistas parisinos que coleccionaban sus grabados acabados de llegar a la capital.

Monte Fuji, Hokusai. Imagen de Wikipedia

Si os ha sabido a poco el recorrido otoñal, no termina aquí. Seguiremos mezclando colores y creando combinaciones fascinantes de arte y ciencia. ¿Verdad que los otoños no pesan en este paseo?